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“Arte” y Pandemia

Johan Phillips reside en la provincia de Limón, Costa Rica. Es profesor, productor e investigador especialista en Arte Contemporáneo, licenciado en Diseño Plástico con énfasis en Escultura de la Universidad de Costa Rica, realizó también algunos estudios en programación, diseño gráfico, arquitectura, filosofía e historia. Ha expuesto individualmente en Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, Museo Alfredo González Flores y Galería Francisco Amighetti; fue seleccionado en el certamen internacional Inquieta Imagen en 2015, 2017 y 2019, en el II Salón Nacional de Artes Visuales del Museo de Arte Costarricense, en Ultracontaminados del Museo de Arte Contemporáneo de Panamá en 2019, en la muestra centroamericana Mayinca 6 en el Centro de Patrimonio Cultural de San José; ha expuesto colectivamente en Galería Despacio, Galería Talentum, Galería Avenida 7, Galería Francisco Amighetti, Museo Alfredo González Flores entre otros; además, ha realizado múltiples intervenciones en el espacio público.

Reflexiones 29 de mayo de 2020 Johan Phillips
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Johan Phillips Foto de Verónica Arias

Es común encontrar a lo largo de la historia incalculables discursos desde los que se asume algo llamado "Arte" –así, mayúsculo y entrecomillado- como una suerte de espacio de caótica libertad.

También, por mucho tiempo han abundando  discusiones que pareciera nunca superamos totalmente, acerca de la función o no del “Arte”, de si prima su contenido social, de si debe de fungir como motor político o incidir en problemáticas concretas, de si debe ser palanca para mover al mundo o detenerlo. O por el contrario, si debe ser conservado en el elitismo de su inaccesibilidad para resguardarlo de la banalización mundana de lo ordinario (la vida).

Cuando se asume por profesión ser “artista”,  recae como un lastre la herencia de fantásticas estampas de épicos creadores sufridos y genios heroicos. Más allá de esos añejos mandatos históricos de convertirnos los relevos generacionales, la sola aspiración a una supervivencia basada en los réditos exclusivos de una de aquellas prácticas artísticas disciplinares como las conocíamos, en una medida razonable, puede considerarse una utopía.

Así, no es casualidad la bastante repetitiva denuncia de “circunstancias precarizantes” para los “subvalorados” trabajos de una mayoría de artistas, en diferentes regiones del mundo, cada una con sus propios matices y sabores.

Con el crecimiento exponencial de bienales, ferias, festivales, centrados en su impacto de mega-evento, se transparentaron las relaciones del “Arte” y el capital, mostrando el carácter eminentemente comercial como criterio regente.

La complejidad de las aceleradas relaciones económicas del medio contemporáneo, hizo surgir en las últimas décadas un sinnúmero de nuevos roles en ese sistema, entre los más controversiales, el de curadora o curador.

Sin embargo, esas consternaciones siempre se diluyen. Poco a poco, entre las luces despampanantes de las nuevas coolturas impulsadas por la promesa de democratización  tecnologizada de medios y recursos, fueron progresivamente incorporados y aceptados los nuevos roles y las estructuras económicas evolucionaron asentando nuevas convenciones para perpetuar verticalidades, inequidades y desde luego, monopolios de los beneficios.

Aún así, muy lejos de ser una aparente isla exclusiva para intelectuales fashonistas, el sistema de las “Artes” solo se limita a replicar las dinámicas de un mundo sometido al imperio de la rentabilidad como valor político hegemónico. Un mundo al que pertenece y obedece. No es casualidad que la enfermedad del sistema económico global refleje sus síntomas en lo que representa un miembro más de su anatomía, para muchos prescindible.

Preocupado por los potenciales efectos económicos de la pandemia, el portavoz del Museo del Prado, Carlos Chaguaceda, expresaba al periódico español La Vanguardia: “es más que probable que los seguros para los traslados y préstamos de obras de arte se encarecerán mediante la creación de cláusulas por eventualidad de epidemia” (*). En el caso de España, esas mismas consecuencias también se experimentaron con los atentados de marzo de 2004. En efecto, una secuela bastante previsible, que se repite ante catástrofes y crisis. 

En el caso de Costa Rica, por ejemplo y sin ser una excepción, la preocupación por los efectos económicos de la pandemia, trajo consigo múltiples polémicas acerca del rol de las instituciones estatales respecto a la economía particular de los artistas. 

Rápidamente surgieron las anunciadas respuestas estatales, todas circunscritas en las mismas formas con que esas instituciones ya se relacionaban con los artistas: convocatorias a residencias, becas de acompañamiento de proyectos, cursos y talleres gratuitos, inclusión en programas de asistencialismo social y demás.

El discurso de algunos artistas ha interpelado a la sociedad por el rol marginal que, según se percibe, se le ha asignado al “Arte” y se ha hecho más que evidente en medio de la crisis. No porque ese lugar sea nuevo. No porque de esa infravaloración no sea cómplice el gremio. Puntualmente, porque es el “Arte” mismo que ha sido puesto en evidencia y nos ha puesto en evidencia, como lo señala atinadamente el artista costarricense Pablo Bonilla con su propuesta “Arte al fondo”, una satírica compilación del uso recurrente de cuadros como fondo doméstico en entrevistas on-line a expertos, políticos y famosos en sus hogares, por parte de telenoticieros y otros. El artista cierra el ciclo al imbricar intencionalmente las imágenes, socializándolas en plataformas digitales como Instagram, en una perturbadora puesta en abismo.

Y es que los recortes estatales de los presupuestos para cultura, acrecentados por la búsqueda de soluciones a un cáncer fiscal (que en realidad se halla bastante más arriba en la anatomía de la pirámide económica) no son sino la continuación de una tendencia inherente al modelo de desarrollo, que no es exclusivo al contexto local. Esto, aunado a la rápida presión vertida sobre el estado en medio de la crisis por parte de las grandes corporaciones, nos revela las dominancia tónica de la partitura global.

 Y no solo pensemos en la hegemonía de la rentabilidad como valor político único, sino en el hipercontrol al que nos sometemos, incorporados a la dinámica de progresiva aceleración de sistemas de producción cada vez más demandantes y sofisticados. 

En la precipitada hipertecnologización que han experimentado las formas de nuestras relaciones interpersonales (nuestra vida misma) ya habíamos redefinido el concepto de "redes sociales" a cambio de referir por ese término, en adelante, a la serie de plataformas programadas donde interactuamos a partir de avatares virtuales que construimos como representaciones ideales de nosotros mismos (cosa que de por sí hicimos, como seres sociales, desde siempre). 

Pero irónicamente, nos aclararía el futuro el voltear la mirada a 1919, para encontrarnos al celebérrimo referente expresionista, Edvard Munch, quien pintó en “Selvportrett i spanskesyken” un autorretrato donde se muestra convaleciendo la gripe española, exponiendo lánguidamente su propia fragilidad ante la incertidumbre de circunstancias aplastantes con que desnudara a los ojos de los otros, la soledad de su propio confinamiento.

Resulta inminente la asociación inmediata entre aquel autorretrato expresionista y cualquier selfie del confinamiento, cualquier reclamo de atención a flor de piel de algún youtuber urgido de atención y followers, cualquier página lanzándose desesperadamente a los mares del alcance en busca de audiencia, cualquier profesional reinventándose en el coaching, cualquier mortal atribulado socializando su ansiedad, al que la historia rescatará como el Edvard Munch del mañana.

Quizá entonces la libertad del “Arte” consista más bien en una obligación: la de apropiarse de todas las formas y los medios comunes, traducidos al lenguaje en que hemos sido logarítmicamente programados para trasladar nuestra vida cotidiana a una pantalla iluminada, para representarnos como parte de ese espacio ambiguo, difuso y caótico, del autorretrato de nuestra propia incertidumbre a la sujeción de las circunstancias, entendiendo que la etiqueta misma de “Arte” resultará cada vez más indefinible para una práctica condenada a remar contra la indigencia de sus asumidos y ficcionales títulos de nobleza, por una maldición milenaria.

Y sin embargo, no me cabe la menor duda de que seremos testigos, partícipes, cómplices, víctimas y gestores de otra transformación sin precedentes en la relación entre lo que queramos llamar “Arte” con la vida.

(*) https://www.lavanguardia.com/cultura/20200318/474240512054/coronavirus-cultura-museos-impacto-arte.html

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